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Exposition « Architektur und Städtebau »

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Exposition « L’architecture autrichienne contemporaine » à Paris en 1956

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	Cette exposition s’accompagne de publications traitant de l’art autrichien dans plusieurs journaux et revues, notamment un article de Charles Guyot, dit Géo-Charles<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb11904618j</ref> dans le ''Courrier graphique'' (n<sup>o</sup>87, 1956) qui offre une brève histoire de l’art autrichien, des découvertes préhistoriques – Vénus de Willendorf, Hallstatt – aux œuvres du Moyen Âge, du Baroque et des époques plus contemporaines. Il souligne l’influence qu’exerce la France sur l’art autrichien, particulièrement sur l’architecture<ref>Géo-Charles 1956, 13</ref>. Il souligne le lien des artistes contemporains autrichiens avec la France, par des séjours ou par une inspiration notable des mouvements artistiques – impressionnisme, cubisme, surréalisme – et souhaite que d’autres expositions d’artistes autrichiens puissent avoir lieu en France dans les années à venir. Géo-Charles salue tout particulièrement les expositions récentes de l’artiste [[Reny Lohner]] en France.		Cette exposition s’accompagne de publications traitant de l’art autrichien dans plusieurs journaux et revues, notamment un article de Charles Guyot, dit Géo-Charles<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb11904618j</ref> dans le ''Courrier graphique'' (n<sup>o</sup>87, 1956) qui offre une brève histoire de l’art autrichien, des découvertes préhistoriques – Vénus de Willendorf, Hallstatt – aux œuvres du Moyen Âge, du Baroque et des époques plus contemporaines. Il souligne l’influence qu’exerce la France sur l’art autrichien, particulièrement sur l’architecture<ref>Géo-Charles 1956, 13</ref>. Il souligne le lien des artistes contemporains autrichiens avec la France, par des séjours ou par une inspiration notable des mouvements artistiques – impressionnisme, cubisme, surréalisme – et souhaite que d’autres expositions d’artistes autrichiens puissent avoir lieu en France dans les années à venir. Géo-Charles salue tout particulièrement les expositions récentes de l’artiste [[Reny Lohner]] en France.

	Cette exposition fait écho à celle organisée en 1948 au [[MAK\|Kunstgewerbemuseum]] (MAK) de Vienne, [[Exposition « Architektur und Städtebau »\|« Architektur und Städtebau »]], qui présentait les grands enjeux de la reconstruction d’après-guerre en France au travers des travaux et des théories, entre autres, du [[Le Corbusier\|Corbusier]], d’[[André Lurçat]] ou de Marcel Lods<ref>https://archiwebture.citedelarchitecture.fr/archive/fonds/FRAPN02_LODS</ref>.		Cette exposition fait écho à celle organisée en 1948 au [[MAK\|Kunstgewerbemuseum]] (MAK) de Vienne, [[Exposition « Architektur und Städtebau »\|« Architektur und Städtebau » à Vienne en 1948]], qui présentait les grands enjeux de la reconstruction d’après-guerre en France au travers des travaux et des théories, entre autres, du [[Le Corbusier\|Corbusier]], d’[[André Lurçat]] ou de Marcel Lods<ref>https://archiwebture.citedelarchitecture.fr/archive/fonds/FRAPN02_LODS</ref>.

	==Références et liens externes==		==Références et liens externes==

Exposition « Architektur und Städtebau »

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	L’exposition propose une présentation de la charte d’Athènes de 1933, où étaient présents des architectes liés à l’Autriche, comme [[Gabriel Guévrékian]]. Par ailleurs, la même année, les conclusions de la charte d’Athènes sont traduites en allemand dans le journal autrichien ''Europäische Rundschau'', publication culturelle éditée par les services de presse français. Ce numéro sert aussi d’extension du catalogue de l’exposition de 1948.		L’exposition propose une présentation de la charte d’Athènes de 1933, où étaient présents des architectes liés à l’Autriche, comme [[Gabriel Guévrékian]]. Par ailleurs, la même année, les conclusions de la charte d’Athènes sont traduites en allemand dans le journal autrichien ''Europäische Rundschau'', publication culturelle éditée par les services de presse français. Ce numéro sert aussi d’extension du catalogue de l’exposition de 1948.

	En 1956, une [[Exposition_«_L’architecture_autrichienne_contemporaine_»\|exposition sur des thématiques similaires]] est accueillie au musée pédagogique de la rue d’Ulm à Paris. Elle présente les efforts en matière de reconstruction des bâtiments autrichiens, en particulier celle du patrimoine détruit, sous la période d’occupation alliée de 1945 à 1954.		En 1956, une [[Exposition_«_L’architecture_autrichienne_contemporaine_» à Paris en 1956\|exposition sur des thématiques similaires]] est accueillie au musée pédagogique de la rue d’Ulm à Paris. Elle présente les efforts en matière de reconstruction des bâtiments autrichiens, en particulier celle du patrimoine détruit, sous la période d’occupation alliée de 1945 à 1954.

	==Références et liens externes==		==Références et liens externes==

Exposition « L’architecture autrichienne contemporaine »

2026-09-09T18:27:22Z

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Exposition « L’architecture autrichienne contemporaine »

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[[Fichier:Invitation au vernissage de l'exposition 1956.jpg|thumb|Carton d’invitation au vernissage de l’exposition de 1956, archives du MUNAÉ, Rouen]] Du 29 juin au 31 juillet 1956, le musée pédagogique de Paris<ref>https://www.reseau-canope.fr/musee/fr/connaitre/le-musee.html</ref>, rue d’Ulm, accueille une exposition d’architecture autrichienne contemporaine, organisée par le [[Centre culturel autrichien]], et son directeur, Friedrich Cocron<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Friedrich_Cocron</ref>. Le musée pédagogique possède dans ses collections déjà plusieurs plaques photographiques de l’Autriche, notamment de ses grands monuments et de ses paysages alpins. Cette exposition est toutefois consacrée à l’architecture de l’après-guerre, qui offre au public parisien l’opportunité de découvrir une autre facette de l’architecture autrichienne, en se concentrant sur les constructions de 1945 à 1954.

==L’exposition==
L’inauguration a lieu le 28 juin en présence de nombreuses personnalités, dont l’ambassadeur d’Autriche Alois Vollgruber<ref>https://www.munzinger.de/register/portrait/biographien/Alois%20Vollgruber/00/5343</ref>, Marcel Masbou<ref>https://www.persee.fr/doc/inrp_0298-5632_1997_ant_13_1_6713</ref>, inspecteur général de l’enseignement, Jean Sarrailh<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb124822584</ref>, recteur de l’Académie de Paris, Francis de Baecque<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb11889851m</ref>, directeur du secrétariat général de la Présidence de la République, Pierre Lavedan<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb11911413r</ref>, directeur de l’Institut d’urbanisme, Joseph Marrast<ref>https://archiwebture.citedelarchitecture.fr/archive/fonds/FRAPN02_MARJO/inventaire/objet-19324</ref>, président de l’Académie d’architecture et Eugen Frisch, délégué à la Chambre de commerce autrichienne en France, entre autres.

Comme pour l’exposition organisée en 1933 par la revue [[L’Architecture d’aujourd’hui]], l’exposition est constituée de photographies, de documents et de plans. La plupart des édifices présentés sont de nouvelles constructions, mais le public peut également découvrir quelques exemples de chantiers de restauration et de reconstruction. Parmi les édifices reconstruits figure, par exemple, le [[Belvédère]], alors que la reconstruction de l’[[Opéra de Vienne]] ne peut être incluse dans l’exposition compte tenu des délais – la reconstruction de l’Opéra ne s’achevant qu’à l’automne 1955. Le public français peut néanmoins découvrir le style architectural autrichien qui se développe après-guerre sous le nom de ''Nachkriegsmoderne''. Loin de se contenter de présenter les travaux des grands noms de l’architecture autrichienne, le musée pédagogique propose un panorama des bâtiments construits ou reconstruits entre 1945 et 1954. L’exposition « montre que la jeune génération d’architectes autrichiens s’en tient [au] principe que le perfectionnement des normes architecturales doit l’emporter sur la recherche d’une originalité spectaculaire, et que la construction doit tenir compte, dans une large mesure, des facteurs nationaux et psychologiques<ref>La Quotidienne, 29 juin 1956 ; Journal du Bâtiment, 6 juillet 1956</ref>. »

Cette exposition s’accompagne de publications traitant de l’art autrichien dans plusieurs journaux et revues, notamment un article de Charles Guyot, dit Géo-Charles<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb11904618j</ref> dans le ''Courrier graphique'' (no87, 1956) qui offre une brève histoire de l’art autrichien, des découvertes préhistoriques – Vénus de Willendorf, Hallstatt – aux œuvres du Moyen Âge, du Baroque et des époques plus contemporaines. Il souligne l’influence qu’exerce la France sur l’art autrichien, particulièrement sur l’architecture<ref>Géo-Charles 1956, 13</ref>. Il souligne le lien des artistes contemporains autrichiens avec la France, par des séjours ou par une inspiration notable des mouvements artistiques – impressionnisme, cubisme, surréalisme – et souhaite que d’autres expositions d’artistes autrichiens puissent avoir lieu en France dans les années à venir. Géo-Charles salue tout particulièrement les expositions récentes de l’artiste [[Reny Lohner]] en France.

Cette exposition fait écho à celle organisée en 1948 au [[MAK|Kunstgewerbemuseum]] (MAK) de Vienne, [[Exposition « Architektur und Städtebau »|« Architektur und Städtebau »]], qui présentait les grands enjeux de la reconstruction d’après-guerre en France au travers des travaux et des théories, entre autres, du [[Le Corbusier|Corbusier]], d’[[André Lurçat]] ou de Marcel Lods<ref>https://archiwebture.citedelarchitecture.fr/archive/fonds/FRAPN02_LODS</ref>.

==Références et liens externes==
<references />

==Bibliographie==
*Géo-Charles : L’art autrichien. In : Courrier graphique. No87, 1956, p. 11-18.
*« L’architecture autrichienne contemporaine présentée au Musée pédagogique ». In : Journal du bâtiment, 6 juillet 1956.
*Fontaine, Alexandre & Matasci, Damiano : Centraliser, exposer, diffuser : les musées pédagogiques et la circulation des savoirs scolaires en Europe (1850‑1900). In : Revue germanique internationale, no21, 2015, p. 65-78.

==Auteur==
Solène Scherer

Mise en ligne : 09/02/2026
{{otherWiki|Ausstellung_„L’architecture_autrichienne_contemporaine“}}
[[Category:Événement]]

Exposition du Salon d’Automne « Paris à Vienne »

2026-09-09T18:25:57Z

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Mariette Lydis

2026-09-09T18:24:18Z

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	==Années parisiennes (1926–1939)==		==Années parisiennes (1926–1939)==
	En septembre 1926, Lydis s’installe à Paris, où elle s’impose rapidement comme peintre et graphiste sur la scène artistique en pleine effervescence de Montparnasse. Dès cette année, ses œuvres sont présentées dans les célèbres galeries Bernheim-Jeune et Girard, ainsi qu’au [[Exposition du Salon d’Automne « Paris à Vienne »\|Salon d’automne]] de l’avant-garde parisienne. Elle publie également son premier portfolio, ''Lesbiennes''. Attirée principalement par les femmes, Lydis évolue alors au cœur de la bohème parisienne des années 1920 et 1930. Elle fait partie intégrante du cercle des artistes de Montparnasse pendant les Années folles et fréquente notamment Hermine David<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb122354790</ref>, Robert Desnos<ref>https://www.ledelarge.fr/14803_artiste_DESNOS_Robert</ref>, Jean Dufy<ref>https://www.ledelarge.fr/14877_artiste_DUFY_Jean</ref>, Foujita<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb120276695</ref>, Charlotte Gardelle (1879–1953), Kiki de Montparnasse<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb12075074n</ref>, Moise Kisling<ref>https://www.ledelarge.fr/3278_artiste_KISLING_Moise</ref>, Per Krohg<ref>https://www.ledelarge.fr/11741_artiste_KROHG_Per</ref>, Jules Pascin<ref>https://www.ledelarge.fr/16110_artiste_PASCIN_Julius</ref>, André Salmon<ref>https://www.ledelarge.fr/5544_artiste_SALMON_Andjre</ref>, Marie Vassilief<ref>https://www.ledelarge.fr/16739_artiste_VASSILIEFF_Marie</ref> et Ossip Zadkine<ref>https://www.ledelarge.fr/24608_artiste_ZADKINE_Ossip</ref>. Elle se fait également photographier par des photographes de renom tels que [[Dora Kallmus\|Madame d’Ora]], Germaine Krull<ref>https://www.ledelarge.fr/21161_artiste_KRULL_Germaine</ref>, Laure Albin Guillot<ref>https://www.ledelarge.fr/20815_artiste_ALBIN-GUILLOT_Laure</ref> et Gaston Paris<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb150059503</ref>.		En septembre 1926, Lydis s’installe à Paris, où elle s’impose rapidement comme peintre et graphiste sur la scène artistique en pleine effervescence de Montparnasse. Dès cette année, ses œuvres sont présentées dans les célèbres galeries Bernheim-Jeune et Girard, ainsi qu’au [[Exposition du Salon d’Automne « Paris à Vienne » de 1946\|Salon d’automne]] de l’avant-garde parisienne. Elle publie également son premier portfolio, ''Lesbiennes''. Attirée principalement par les femmes, Lydis évolue alors au cœur de la bohème parisienne des années 1920 et 1930. Elle fait partie intégrante du cercle des artistes de Montparnasse pendant les Années folles et fréquente notamment Hermine David<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb122354790</ref>, Robert Desnos<ref>https://www.ledelarge.fr/14803_artiste_DESNOS_Robert</ref>, Jean Dufy<ref>https://www.ledelarge.fr/14877_artiste_DUFY_Jean</ref>, Foujita<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb120276695</ref>, Charlotte Gardelle (1879–1953), Kiki de Montparnasse<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb12075074n</ref>, Moise Kisling<ref>https://www.ledelarge.fr/3278_artiste_KISLING_Moise</ref>, Per Krohg<ref>https://www.ledelarge.fr/11741_artiste_KROHG_Per</ref>, Jules Pascin<ref>https://www.ledelarge.fr/16110_artiste_PASCIN_Julius</ref>, André Salmon<ref>https://www.ledelarge.fr/5544_artiste_SALMON_Andjre</ref>, Marie Vassilief<ref>https://www.ledelarge.fr/16739_artiste_VASSILIEFF_Marie</ref> et Ossip Zadkine<ref>https://www.ledelarge.fr/24608_artiste_ZADKINE_Ossip</ref>. Elle se fait également photographier par des photographes de renom tels que [[Dora Kallmus\|Madame d’Ora]], Germaine Krull<ref>https://www.ledelarge.fr/21161_artiste_KRULL_Germaine</ref>, Laure Albin Guillot<ref>https://www.ledelarge.fr/20815_artiste_ALBIN-GUILLOT_Laure</ref> et Gaston Paris<ref>https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb150059503</ref>.

	Lydis poursuit son activité d’illustratrice pour des éditions bibliophiles de classiques et d’œuvres de littérature contemporaine, publiées en séries limitées à destination des collectionneurs, où les motifs érotiques occupent une place centrale. À partir de 1928, elle publie régulièrement chez l’éditeur d'art italien Giuseppe Conte Govone (1886-1948), illustrant notamment ''Les Fleurs du mal'' de [[Charles Baudelaire\|Baudelaire]]. Parallèlement, ses techniques de peinture et de dessin évoluent. Alors qu’elle réalisait jusqu'alors principalement des dessins en couleur et des aquarelles, elle recourt davantage aux techniques de la gravure et de la lithographie, et se met à peindre des toiles à l’huile. Ses sujets évoluent également. Elle réalise presque exclusivement des portraits de femmes (lesbiennes, prostituées, femmes incarcérées ou internées dans des asiles psychiatriques) et dessine dans des lieux de divertissement tels que les boîtes de nuit, les cabarets et les cirques. En tant que personne ouvertement ''queer'', elle devient ainsi une observatrice privilégiée de l’« autre » Paris. Des liens d'amitié étroits l’unissent aux écrivains Joseph Delteil et [[Henry de Montherlant]]. En 1928, elle est de nouveau à Vienne. À la librairie Bukum, fondée par Hugo Heller<ref>https://www.encyclopedia.com/psychology/dictionaries-thesauruses-pictures-and-press-releases/heller-hugo-1870-1923</ref>, elle expose ses aquarelles et ses gravures, en particulier son cycle ''Criminelles'', consacré à des portraits de femmes incarcérées<ref>Dessauer 1928</ref>. L’année suivante, elle participe à l’exposition annuelle de l’Association autrichienne des femmes artistes (VBKÖ )<ref>https://www.vbkoe.org/geschichte/</ref>. En outre, elle prend part de manière régulière aux expositions de la Société des Femmes Artistes Modernes<ref>https://far.hypotheses.org/2339</ref>, créée en 1931, souvent aux côtés de Tamara de Lempicka, Suzanne Valadon et Marie Laurencin. En 1934, elle épouse en troisièmes noces l’éditeur italien Giuseppe Conte Govone. En 1936, enfin, Lydis figure parmi les trois seules femmes sélectionnées par le Museum of Modern Art de New York pour participer à l'exposition novatrice intitulée « ''Modern Painters and Sculptors as Illustrators'' ».		Lydis poursuit son activité d’illustratrice pour des éditions bibliophiles de classiques et d’œuvres de littérature contemporaine, publiées en séries limitées à destination des collectionneurs, où les motifs érotiques occupent une place centrale. À partir de 1928, elle publie régulièrement chez l’éditeur d'art italien Giuseppe Conte Govone (1886-1948), illustrant notamment ''Les Fleurs du mal'' de [[Charles Baudelaire\|Baudelaire]]. Parallèlement, ses techniques de peinture et de dessin évoluent. Alors qu’elle réalisait jusqu'alors principalement des dessins en couleur et des aquarelles, elle recourt davantage aux techniques de la gravure et de la lithographie, et se met à peindre des toiles à l’huile. Ses sujets évoluent également. Elle réalise presque exclusivement des portraits de femmes (lesbiennes, prostituées, femmes incarcérées ou internées dans des asiles psychiatriques) et dessine dans des lieux de divertissement tels que les boîtes de nuit, les cabarets et les cirques. En tant que personne ouvertement ''queer'', elle devient ainsi une observatrice privilégiée de l’« autre » Paris. Des liens d'amitié étroits l’unissent aux écrivains Joseph Delteil et [[Henry de Montherlant]]. En 1928, elle est de nouveau à Vienne. À la librairie Bukum, fondée par Hugo Heller<ref>https://www.encyclopedia.com/psychology/dictionaries-thesauruses-pictures-and-press-releases/heller-hugo-1870-1923</ref>, elle expose ses aquarelles et ses gravures, en particulier son cycle ''Criminelles'', consacré à des portraits de femmes incarcérées<ref>Dessauer 1928</ref>. L’année suivante, elle participe à l’exposition annuelle de l’Association autrichienne des femmes artistes (VBKÖ )<ref>https://www.vbkoe.org/geschichte/</ref>. En outre, elle prend part de manière régulière aux expositions de la Société des Femmes Artistes Modernes<ref>https://far.hypotheses.org/2339</ref>, créée en 1931, souvent aux côtés de Tamara de Lempicka, Suzanne Valadon et Marie Laurencin. En 1934, elle épouse en troisièmes noces l’éditeur italien Giuseppe Conte Govone. En 1936, enfin, Lydis figure parmi les trois seules femmes sélectionnées par le Museum of Modern Art de New York pour participer à l'exposition novatrice intitulée « ''Modern Painters and Sculptors as Illustrators'' ».

Willy Eisenschitz

2026-09-09T18:24:16Z

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	===Période d’après-guerre===		===Période d’après-guerre===
	[[Fichier:AfficheExpoEisenschitzLinz.jpg\|left\|thumb\|180px\|Affiche de la rétrospective à Linz (1999)]]Après la guerre, les galeries parisiennes exposent à nouveau ses œuvres et deux de ses tableaux, Paysage de Dieulefit et Les roseaux sont exposés lors du [[Exposition du Salon d’Automne « Paris à Vienne »\|Salon d’automne à Vienne en 1946]]. En 1949, les œuvres de Willy Eisenschitz, Claire Bertrand et de leur fille Évelyne Marc<ref>http://www.evelyn-marc.com/</ref> sont présentées à la galerie Allard durant l’exposition ''Une famille d’artistes''. En 1957, le musée d’art de Toulon organise une première rétrospective de son œuvre, ancrant encore davantage son statut d’artiste local. L’après-guerre marque aussi le retour des voyages pour le couple Bertrand-Eisenschitz : en 1952, ils découvrent l’île d’Ibiza où ils séjournent à de nombreuses reprises les années suivantes. En 1959, un voyage permet à Eisenschitz de découvrir le Soudan lors d’un séjour de plusieurs semaines, durant lequel il produit un grand nombre de dessins, d’aquarelles, de pastels et de tableaux. Dans les années 1960, Claire Bertrand et Willy Eisenschitz achètent un cabanon dans les Alpilles pour y travailler et vont régulièrement en Camargue. En 1969, son épouse Claire Bertrand décède et Willy Eisenschitz regagne Paris. Sa notoriété ne faiblit pas : entre 1972 et 1974, ses œuvres sont exposées au Japon. Atteint de la maladie de Parkinson qui entrave son art, Eisenschitz continue toutefois jusqu’à la fin de sa vie à produire de nombreuses aquarelles et pastels. Il décède le 8 juillet 1974 à Paris.		[[Fichier:AfficheExpoEisenschitzLinz.jpg\|left\|thumb\|180px\|Affiche de la rétrospective à Linz (1999)]]Après la guerre, les galeries parisiennes exposent à nouveau ses œuvres et deux de ses tableaux, Paysage de Dieulefit et Les roseaux sont exposés lors du [[Exposition du Salon d’Automne « Paris à Vienne » de 1946\|Salon d’automne à Vienne en 1946]]. En 1949, les œuvres de Willy Eisenschitz, Claire Bertrand et de leur fille Évelyne Marc<ref>http://www.evelyn-marc.com/</ref> sont présentées à la galerie Allard durant l’exposition ''Une famille d’artistes''. En 1957, le musée d’art de Toulon organise une première rétrospective de son œuvre, ancrant encore davantage son statut d’artiste local. L’après-guerre marque aussi le retour des voyages pour le couple Bertrand-Eisenschitz : en 1952, ils découvrent l’île d’Ibiza où ils séjournent à de nombreuses reprises les années suivantes. En 1959, un voyage permet à Eisenschitz de découvrir le Soudan lors d’un séjour de plusieurs semaines, durant lequel il produit un grand nombre de dessins, d’aquarelles, de pastels et de tableaux. Dans les années 1960, Claire Bertrand et Willy Eisenschitz achètent un cabanon dans les Alpilles pour y travailler et vont régulièrement en Camargue. En 1969, son épouse Claire Bertrand décède et Willy Eisenschitz regagne Paris. Sa notoriété ne faiblit pas : entre 1972 et 1974, ses œuvres sont exposées au Japon. Atteint de la maladie de Parkinson qui entrave son art, Eisenschitz continue toutefois jusqu’à la fin de sa vie à produire de nombreuses aquarelles et pastels. Il décède le 8 juillet 1974 à Paris.

	Plusieurs rétrospectives ont été organisées en hommage à son œuvre : en 1977, le musée d’art de Toulon propose une rétrospective conjointe de Claire Bertrand et Willy Eisenschitz ; en 1999, la ''Neue Galerie'' de la ville de Linz lui consacre également une exposition ; en 2001, le musée d’art de Toulon organise une troisième rétrospective. Le marchand d’art autrichien Josef Schütz organise en 2011 une exposition des œuvres de Willy Eisenschitz au National Art Museum of China<ref>https://www.namoc.org/zgmsgen/PE2011/201305/890201e83b0b4b0ab7bda33d4e675cd4.shtml</ref>. Ses œuvres sont aujourd’hui exposées dans les collections permanentes de nombreux musées en France, en Autriche, au Royaume-Uni et aux États-Unis.		Plusieurs rétrospectives ont été organisées en hommage à son œuvre : en 1977, le musée d’art de Toulon propose une rétrospective conjointe de Claire Bertrand et Willy Eisenschitz ; en 1999, la ''Neue Galerie'' de la ville de Linz lui consacre également une exposition ; en 2001, le musée d’art de Toulon organise une troisième rétrospective. Le marchand d’art autrichien Josef Schütz organise en 2011 une exposition des œuvres de Willy Eisenschitz au National Art Museum of China<ref>https://www.namoc.org/zgmsgen/PE2011/201305/890201e83b0b4b0ab7bda33d4e675cd4.shtml</ref>. Ses œuvres sont aujourd’hui exposées dans les collections permanentes de nombreux musées en France, en Autriche, au Royaume-Uni et aux États-Unis.

Exposition du Salon d’Automne « Paris à Vienne »

2026-09-09T18:23:43Z

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[[Fichier:Salon1.jpg||thumb||Affiche de l’exposition]]À l’été 1946, plus de 250 artistes du [[Salon d’Automne]] sont invités à présenter leurs œuvres à Vienne pendant une exposition accueillie au musée des Arts décoratifs (''Kunstgewerbemuseum''), actuel [[MAK|Musée des Arts appliqués]] (MAK). L’exposition reçoit un accueil très favorable à Vienne et témoigne de la vitalité de la politique culturelle menée par la France en Autriche après la Seconde Guerre mondiale.

==Aux origines de l’exposition==
Le Salon d’Automne est créé en 1903 comme un lieu d’exposition alternatif aux salons officiels par Yvanhoé Rambosson<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb14972413n</ref> et Frantz Jourdain<ref>https://cths.fr/an/savant.php?id=106043</ref>, qui en est le premier président. L’objectif de ce salon est d’offrir une visibilité à de jeunes artistes auprès d’un large public populaire, en présentant plusieurs types d’œuvres : peinture, photographie, architecture, sculpture, gravure, arts appliqués, etc. Les premiers salons intègrent déjà des œuvres d’artistes étrangers, mais c’est après la Seconde Guerre mondiale que le Salon s’exporte lui-même à l’étranger.

En 1946, le nouveau président du Salon, Pierre-Paul Montagnac<ref>https://www.ledelarge.fr/4361_artiste_MONTAGNAC_Pierre-Paul</ref>, décide d’organiser à Vienne une exposition de plusieurs centaines d’œuvres des sociétaires du Salon d’Automne. L’exposition est prévue pour l’été et le [[MAK|musée des Arts décoratifs]] est choisi pour l’accueillir. L’administration militaire française souhaite que l’exposition soit perçue comme une nouvelle étape dans le renforcement des liens culturels entre l’Autriche et la France. C’est une façon de montrer que chaque pays partage un héritage culturel fort, où l’importance accordée à la culture consolide le lien entre les deux États. Le musée des Arts décoratifs profite à cette occasion d’une restauration de son bâtiment, endommagé par les bombardements aériens et les combats de la libération de Vienne. Les travaux de reconstruction et de restauration sont rendus possibles grâce à l’aide de l’administration militaire française, qui met à disposition des restaurateurs et des matériaux pour déblayer et reconstruire les parties détruites. L’exposition « Paris à Vienne » est organisée sous la supervision du commandant André Rivaud<ref>https://e-monumen.net/patrimoine-monumental/rivaud/</ref>, qui est lui-même un artiste graveur, en étroite collaboration avec Pierre-Paul Montagnac.

==L’inauguration==
[[Fichier:Salon3.png||thumb||Photographie de l’exposition publiée dans l’article « Ausstellungen – Salon d’automne », ''Die Wiener Bühne'', no8, août 1946, p. 19]]
Le 11 juillet 1946, le général [[Marie Émile Antoine Béthouart ]] inaugure l’exposition en présence de très nombreux représentants officiels des deux pays parmi lesquels le président autrichien Karl Renner<ref>https://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Renner/140686</ref>, le chancelier Leopold Figl<ref>https://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Leopold_Figl/119491</ref>, ainsi que plusieurs membres du gouvernement dont le ministre de l’Éducation Felix Hurdes<ref>https://austria-forum.org/af/AEIOU/Hurdes,_Felix</ref>, le ministre des Affaires étrangères Karl Gruber<ref>https://austria-forum.org/af/AEIOU/Gruber,_Karl</ref>, le ministre des Finances Georg Zimmermann<ref>https://austria-forum.org/af/AEIOU/Zimmermann,_Georg</ref> et le ministre sans portefeuille Lois Weinberger<ref>https://maitron.fr/spip.php?article197765</ref>. Le maire de Vienne Theodor Körner<ref>https://maitron.fr/spip.php?article197538</ref> est également présent, tout comme les directeurs du Künstlerhaus Karl Maria May<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Karl_Maria_May</ref> et de la Sécession Karl Stemolak<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Karl_Stemolak</ref>. Plusieurs représentants des forces alliées américaines, britanniques et soviétiques sont conviés à l’événement, tandis que la France est représentée par le général Paul Cherrière<ref>https://museedesetoiles.fr/piece/general-de-corps-darmee-cherriere/</ref>, l’ambassadeur français à Vienne Louis de Monicault, ainsi que par le président du Salon d’automne, Pierre-Paul Montagnac. Certains des artistes exposés sont également présents lors du vernissage de l’exposition comme les peintres Robert Lotiron<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb13181130v</ref> et Marcel Roche<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb149790884</ref>, ainsi que le sculpteur Raoul Lamourdedieu<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb126180040</ref>. Le nombre important de responsables politiques et militaires présents au vernissage témoigne de l’importance de cette exposition, accentuée par la diffusion à la radio, le jour même de l’inauguration, d’un reportage pour en présenter le contenu et les artistes aux auditeurs autrichiens.

557 œuvres sont exposées, allant du tableau à la sculpture, de la gravure aux plans d’urbanisme et photographies d’architecture jusqu’aux arts appliqués. Elles sont signées de 250 hommes et femmes artistes de plusieurs nationalités, dont Pierre Bonnard<ref>http://www.museebonnard.fr/index.php/fr/musee/pierre-bonnard</ref>, Suzanne Duchamp<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb149731550</ref>, Raoul Dufy<ref>https://cths.fr/an/savant.php?id=1538</ref>, [[Willy Eisenschitz]], André Jacquemin<ref>http://www.andre-jacquemin.com/</ref>, [[Henri Matisse]], Fernand Léger<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb11912166r</ref>, [[André Lhote]], Auguste Perret<ref>https://archiwebture.citedelarchitecture.fr/archive/fonds/FRAPN02_PERAU</ref>, Pierre Puvis de Chavanne<ref>http://www.comitepierrepuvisdechavannes.com/biographie.html</ref>, Léopold Survage<ref>https://www.universalis.fr/encyclopedie/leopold-survage/</ref>.

L’exposition met également à l’honneur des aménagements d’urbanisme et des reconstructions urbaines d’après-guerre, grâce à des documents mis à disposition par le ministère de la Reconstruction. La destruction, puis la reconstruction des villes de Normandie (Caen, Rouen, Lisieux) sont particulièrement mises en avant, tandis que des projets-types et des principes d’urbanisme font aussi partie des documents, plans et photographies exposés. Les services municipaux et départementaux de plusieurs collectivités françaises ont également fourni de la documentation pour mettre en lumière l’évolution topographique ou des projets d’aménagement de leur territoire, parmi lesquels Albi, Clermont-Ferrand, Quimper, Tours, le département des Bouches-du-Rhône, celui de l’Indre et le service de l’aménagement de la région parisienne.
Un accueil très favorable à Vienne

==Succès et prolongation de l’exposition==
[[Fichier:Carte_postale_salon_automne_1946.jpg||thumb|left|Carte postale du salon d’automne 1946, avec le cachet commémoratif "Vienne - Paris"]]L’exposition connaît un grand succès populaire : à la fin du mois de juillet 1946, elle accueille jusqu’à 10 000 visiteurs par jour et ses horaires d’ouverture sont alors allongés de 10h jusqu’à 20h pour permettre au plus grand nombre de visiteurs d’y accéder chaque jour. À partir du 15 août, la poste autrichienne installe même un stand au musée afin de proposer aux visiteurs un cachet commémoratif du Salon d’automne, sur lequel sont représentées la cathédrale Notre-Dame de Paris et la cathédrale Saint-Étienne de Vienne. En raison de ce succès, le président Renner demande au général Cherrière de prolonger l’exposition – qui devait initialement s’achever au 31 août 1946 – jusqu’au 15 septembre 1946.

La presse autrichienne accueille très positivement le Salon d’automne. Il est la preuve, selon les divers articles, que Vienne a retrouvé le rang de capitale artistique mondiale, au même titre que Paris. Les journaux saluent également la diversité et la modernité des œuvres exposées et s’émeuvent que l’un des artistes, Luc Albert Moreau<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb120373504</ref>, ait même fait don, à l’issue du Salon, de quatre gravures au musée Albertina, un musée qu’il avait pu visiter avant la guerre. Le 31 juillet 1946, les services culturels français invitent le critique artistique Gaston Diehl<ref>https://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb119001600</ref> à une conférence organisée sur « Les grandes traditions de la peinture française moderne, de Matisse aux jeunes ». Tenue en français, elle est traduite en allemand par des interprètes pour le public autrichien. Des visites guidées gratuites pour des groupes comptant jusqu’à 100 élèves sont aussi proposées aux écoles à partir de la rentrée 1946. Un incident se produit toutefois durant l’été : le tableau ''Nature morte'' de la peintre Gisèle Ferrandier est dérobé quelques jours après l’inauguration, le 14 juillet 1946, et ne semble pas avoir été retrouvé.

Le Salon d’automne à Vienne ouvre ses portes le 11 juillet, soit quelques jours après l’inauguration, le 6 juillet 1946, d’une autre rétrospective d’art français au [[musée Albertina]]. Si l’exposition à l’Albertina mettait en avant les grands noms de l’art français, celle du Salon d’Automne présente des artistes moins connus du public autrichien. Une autre exposition, ''Visages de la France'', au palais Lobkowitz se tient quant à elle quelques jours après le vernissage du Salon d’automne. Toutes ces expositions s’inscrivent dans la [[politique culturelle française en Autriche|politique culturelle menée alors par la France durant l’occupation alliée de l’Autriche]]. Elles permettent à l’administration militaire française de mettre en avant son action culturelle à Vienne, notamment en matière de beaux-arts, qui se poursuit durant les dix années d’occupation alliée de l’Autriche.

==Références et liens externes==
<references />

==Bibliographie==
===Catalogue d’exposition===
*Paris à Vienne. 250 artistes du Salon d’Automne exposent du 11 juillet au 31 août 1946. Catalogue d’exposition du Staatliches Kunstgewerbemuseum Wien, 1946. Disponible en ligne : https://hauspublikationen.mak.at/viewer/image/AC01500991/1/LOG_0000/
===Littérature secondaire===
* Angerer, Thomas, Le Rider, Jacques, Porpaczy, Barbara et Feurstein, Michaela (éd.) : „Ein Frühling, dem kein Sommer folgte?“ Französisch-österreichische Kulturtransfers seit 1945. Vienne : Böhlau 1999.
*Coret, Noël-Marie (éd.) : L’art en effervescence : 100 ans de Salon d’automne 1903-2003. Paris : Casta Diva 2003.
* Cullin, Michel : « L’Action culturelle française en Autriche après 1945 ». In : Austriaca, Numéro spécial colloque « Relations franco-autrichiennes, 1870-1970 ». Rouen : PUR 1986.
* Eisterer, Klaus : La présence française en Autriche I (1945-1946) : Occupation, dénazification, action culturelle. Rouen : PUR 1998.

==Auteur==
Solène Scherer

Mise en ligne : 06/11/2024
{{otherWiki|Ausstellung_des_Salons_d’Automne_„Paris_in_Wien“}}

[[Category:Événement]]

Recherches germaniques

2026-09-08T12:27:04Z

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	*Recherches germaniques 1/1971 (avant-propos), 25/1995 (avant-propos), 21/2021 (dossier).		*Recherches germaniques 1/1971 (avant-propos), 25/1995 (avant-propos), 21/2021 (dossier).

	{{otherWiki\|~~Recherches_Germaniques~~}}		{{otherWiki\|Recherches_germaniques}}
	[[Category:Magazine]]		[[Category:Magazine]]
	==Auteur==		==Auteur==

Suzanne Clauser

2026-09-08T12:06:53Z

Auteur

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	Traduit de l’allemand par Hélène Belletto-Sussel		Traduit de l’allemand par Hélène Belletto-Sussel

	Mise en ligne : 22(10/2025		Mise en ligne : 22/10/2025

Hilda Polsterer

2026-09-08T09:42:20Z

Bibliographie

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	==Bibliographie==		==Bibliographie==
	===Publications sur la personne===		===Publications sur la personne===
	*Polt-Heinzl, Evelyn : Hilda Polsterer - Suche nach einer Salonière der Nachkriegszeit. In : Markus Ender, Ingrid Fürhapter, ~~Anter~~ Unterkircher (dir.) : Literaturvermittlung und Kulturtransfer nach 1945 : Ludwig von Ficker im Kontext. Innsbruck : Studien Verlag 2020, p. 219-235.		*Polt-Heinzl, Evelyn : Hilda Polsterer - Suche nach einer Salonière der Nachkriegszeit. In : Markus Ender, Ingrid Fürhapter, Anton Unterkircher (dir.) : Literaturvermittlung und Kulturtransfer nach 1945 : Ludwig von Ficker im Kontext. Innsbruck : Studien Verlag 2020, p. 219-235.

	===Littérature scientifique se rapportant à la personne===		===Littérature scientifique se rapportant à la personne===

Hans Hollein

2026-09-07T10:37:47Z

Biographie

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	[[File:Vulcania.jpg\|\|thumb\|Vue de l’intérieur de Vulcania]]À l’occasion du chantier, Hollein s’associe avec le cabinet « Atelier 4 » à Clermont-Ferrand. Il conçoit le centre Vulcania comme un espace de médiation autant symbolique que physique : les trois quarts du bâtiment sont enterrés dans le sol, menant symboliquement les visiteurs au plus proche du cœur des volcans, tout en permettant de conserver une vue dégagée sur le paysage. Hollein reconnaît parmi ses influences les illustrations de Gustave Doré du roman de Jules Verne ''Voyage au centre de la terre'' (Hollein 2012, 312), mais aussi les travaux de l’architecte révolutionnaire Étienne-Louis Boullée et de l’architecte-philosophe Paul Virilio<ref>Hollein 2001</ref>. Hollein voulait « un projet spécial […] qui rappellerait la spécificité du lieu […] avec ce cône revêtu de doré, flamboyant comme une éruption […] ce cratère qui descend vers la source du magma<ref>Hollein, cité par Leclanché, 2012, 5</ref>» Hollein collabore avec le paysagiste Gilles Clément à un aménagement total de l’espace, pour insérer le bâti au paysage naturel auvergnat.		[[File:Vulcania.jpg\|\|thumb\|Vue de l’intérieur de Vulcania]]À l’occasion du chantier, Hollein s’associe avec le cabinet « Atelier 4 » à Clermont-Ferrand. Il conçoit le centre Vulcania comme un espace de médiation autant symbolique que physique : les trois quarts du bâtiment sont enterrés dans le sol, menant symboliquement les visiteurs au plus proche du cœur des volcans, tout en permettant de conserver une vue dégagée sur le paysage. Hollein reconnaît parmi ses influences les illustrations de Gustave Doré du roman de Jules Verne ''Voyage au centre de la terre'' (Hollein 2012, 312), mais aussi les travaux de l’architecte révolutionnaire Étienne-Louis Boullée et de l’architecte-philosophe Paul Virilio<ref>Hollein 2001</ref>. Hollein voulait « un projet spécial […] qui rappellerait la spécificité du lieu […] avec ce cône revêtu de doré, flamboyant comme une éruption […] ce cratère qui descend vers la source du magma<ref>Hollein, cité par Leclanché, 2012, 5</ref>» Hollein collabore avec le paysagiste Gilles Clément à un aménagement total de l’espace, pour insérer le bâti au paysage naturel auvergnat.

	Vulcania est inauguré le 20 février 2002 : si des critiques sur le projet du parc sont notamment dirigées contre Valéry Giscard d’Estaing, l’architecture de Hollein est en revanche unanimement saluée par la presse nationale, régionale et spécialisée. Le 4 juin 2003, Hollein reçoit le grade d’Officier de l’Ordre national de la Légion d’honneur par le président de la République Jacques Chirac. Hollein continue sa carrière à Vienne et à l’international, jusqu’à son décès, le 24 avril 2014, à l’âge de 80 ans. En 2025, le Centre Pompidou accueille l’exposition transFORMS, une grande rétrospective de l’œuvre de Hans Hollein, permettant à une nouvelle génération de découvrir l’œuvre de l’architecte autrichien.		Vulcania est inauguré le 20 février 2002 : si des critiques sur le projet du parc sont notamment dirigées contre Valéry Giscard d’Estaing, l’architecture de Hollein est en revanche unanimement saluée par la presse nationale, régionale et spécialisée. Le 4 juin 2003, Hollein reçoit le grade d’Officier de l’Ordre national de la Légion d’honneur par le président de la République Jacques Chirac. Hollein continue sa carrière à Vienne et à l’international, jusqu’à son décès, le 24 avril 2014, à l’âge de 80 ans. En 2025, le Centre Pompidou accueille l’exposition transFORMS, une grande rétrospective de l’œuvre de Hans Hollein, permettant à une nouvelle génération de découvrir l’œuvre de l’architecte autrichien<ref>https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/4dIGvcW</ref>.

	==Références et liens externes==		==Références et liens externes==

Hugo Wittmann

2026-09-07T10:02:34Z

Critique littéraire et théâtrale

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	Dès 1876, on trouve dans la ''NFP'' régulièrement de longs comptes rendus consacrés à Alphonse Daudet (''Fromont jeune et Risler aîné'', 23 mars 1876, ''Le Nabab'', 7 décembre 1877, ''Les Rois en exil'', 30 octobre 1879), à Octave Feuillet<ref>https://d-nb.info/gnd/118532790</ref> (''Les Amours de Philippe'', 23 septembre 1877), à [[Gustave Flaubert\|Flaubert]] (« Gustav Flaubert », 22 mai 1880), puis à Zola (''La Débâcle'', 7 juin 1891 et 4 septembre 1892, Lourdes, 12 août 1894). La plupart du temps, ils portent sur la parution de l’original, avant la publication d’une éventuelle traduction. On peut supposer que de nombreux autres articles sur la littérature française dans la NFP sont bien l’œuvre de Wittmann qui signe ses textes, en dehors de son nom complet, parfois « H.Wnn. », par trois étoiles, voire par une bonne quinzaine d’autres sigles ou abréviations, ce qui rend leur attribution parfois aléatoire. Sans adhérer complètement au réalisme-naturalisme des romanciers du dernier tiers du XIX<sup>e</sup> siècle, Wittmann souligne l’importance de leurs œuvres pour l’évolution de la littérature et souligne leur modernité, leur capacité à saisir la société contemporaine dans ses multiples aspects.		Dès 1876, on trouve dans la ''NFP'' régulièrement de longs comptes rendus consacrés à Alphonse Daudet (''Fromont jeune et Risler aîné'', 23 mars 1876, ''Le Nabab'', 7 décembre 1877, ''Les Rois en exil'', 30 octobre 1879), à Octave Feuillet<ref>https://d-nb.info/gnd/118532790</ref> (''Les Amours de Philippe'', 23 septembre 1877), à [[Gustave Flaubert\|Flaubert]] (« Gustav Flaubert », 22 mai 1880), puis à Zola (''La Débâcle'', 7 juin 1891 et 4 septembre 1892, Lourdes, 12 août 1894). La plupart du temps, ils portent sur la parution de l’original, avant la publication d’une éventuelle traduction. On peut supposer que de nombreux autres articles sur la littérature française dans la NFP sont bien l’œuvre de Wittmann qui signe ses textes, en dehors de son nom complet, parfois « H.Wnn. », par trois étoiles, voire par une bonne quinzaine d’autres sigles ou abréviations, ce qui rend leur attribution parfois aléatoire. Sans adhérer complètement au réalisme-naturalisme des romanciers du dernier tiers du XIX<sup>e</sup> siècle, Wittmann souligne l’importance de leurs œuvres pour l’évolution de la littérature et souligne leur modernité, leur capacité à saisir la société contemporaine dans ses multiples aspects.

	Les intérêts de Wittmann dépassent cependant largement la littérature (française) contemporaine. Le volume intitulé ''Feuilletons'', paru à titre posthume en 1925 au Österreichischer Bundesverlag, avec une préface de l’historienne de l’art Hermine Cloeter<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Hermine_Cloeter</ref> (Munich 1879 – Weissenkirchen/Donau, 1970), donne un aperçu de la variété des centres d’intérêt de Wittmann, même si le choix des feuilletons retenus pour ce volume a sans doute été subjectif. La part des sujets français y est importante : le spectre va de feuilletons sur la vie à la Cour de Louis XIV au théâtre d’Alexandre Dumas fils<ref>https://d-nb.info/gnd/11852805X</ref> (1919), en passant par plusieurs feuilletons consacrés à [[Napoléon\|Napoléon I<sup>er</sup>] (qui semble l’impressionner, mais par rapport auquel il garde aussi une distance critique, voire ironique), et de [[Denis Diderot\|Diderot]] (1913) et [[Voltaire]] au peintre [[Gustave Courbet]] (1873), en passant par un intérêt marqué pour la « ''Memoirenliteratur'' ». L’une des caractéristiques de son style est d’agrémenter les développements sur des événements ou des personnalités historiques par des anecdotes relevant de la vie quotidienne. Philosophiquement, il semble adhérer aux idées des Lumières et défendre des positions libérales. Cette attitude, qui fait de lui un exemple du « bürgerlicher Feuilletonist<ref>Walter Obermeier in ''Oesterreichisch Biografisches Lexikon'' https://doi.org/10.1553/0x003c15a2</ref> », se reflète aussi dans ses « Erinnerungen an die Pariser Kommune » (24 avril 1921). Ses souvenirs de la décennie qu’il a passée à Paris sont présents – avec une certaine nostalgie – dans des feuilletons comme « Erinnerung an Deutsch-Paris » (8 septembre 1880) ou « Vom Pariser Tannhäuser » (29 janvier 1913).		Les intérêts de Wittmann dépassent cependant largement la littérature (française) contemporaine. Le volume intitulé ''Feuilletons'', paru à titre posthume en 1925 au Österreichischer Bundesverlag, avec une préface de l’historienne de l’art Hermine Cloeter<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Hermine_Cloeter</ref> (Munich 1879 – Weissenkirchen/Donau, 1970), donne un aperçu de la variété des centres d’intérêt de Wittmann, même si le choix des feuilletons retenus pour ce volume a sans doute été subjectif. La part des sujets français y est importante : le spectre va de feuilletons sur la vie à la Cour de Louis XIV au théâtre d’Alexandre Dumas fils<ref>https://d-nb.info/gnd/11852805X</ref> (1919), en passant par plusieurs feuilletons consacrés à [[Napoléon\|Napoléon I<sup>er</sup>]] (qui semble l’impressionner, mais par rapport auquel il garde aussi une distance critique, voire ironique), et de [[Denis Diderot\|Diderot]] (1913) et [[Voltaire]] au peintre [[Gustave Courbet]] (1873), en passant par un intérêt marqué pour la « ''Memoirenliteratur'' ». L’une des caractéristiques de son style est d’agrémenter les développements sur des événements ou des personnalités historiques par des anecdotes relevant de la vie quotidienne. Philosophiquement, il semble adhérer aux idées des Lumières et défendre des positions libérales. Cette attitude, qui fait de lui un exemple du « bürgerlicher Feuilletonist<ref>Walter Obermeier in ''Oesterreichisch Biografisches Lexikon'' https://doi.org/10.1553/0x003c15a2</ref> », se reflète aussi dans ses « Erinnerungen an die Pariser Kommune » (24 avril 1921). Ses souvenirs de la décennie qu’il a passée à Paris sont présents – avec une certaine nostalgie – dans des feuilletons comme « Erinnerung an Deutsch-Paris » (8 septembre 1880) ou « Vom Pariser Tannhäuser » (29 janvier 1913).

	===Wittmann, librettiste et dramaturge===		===Wittmann, librettiste et dramaturge===

Vente aux enchères publiques « L’Art autrichien à Paris » (6–7 mars 1989)

2026-09-07T09:58:12Z

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	Le catalogue accorde une attention centrale aux figures de la Sécession et des Wiener Werkstätte. Josef Hoffmann apparaît comme l’un des artistes les plus représentés de la vente, avec vingt-huit lots consacrés au mobilier – chaises, fauteuils, ensembles de salon – ainsi qu’aux objets décoratifs, parmi lesquels figurent des vases, des coupes, un coffret de toilette et une corbeille à fleurs. Koloman Moser bénéficie également d’une présence importante (dix lots), notamment dans les sections consacrées à la verrerie et au mobilier moderne. La présence de sept lots de la [[Verrerie Loetz\|verrerie Loetz]] ainsi que de vases originaires de Bohème témoigne en outre de l’intérêt croissant du marché pour les arts décoratifs austro-hongrois autour de 1900.		Le catalogue accorde une attention centrale aux figures de la Sécession et des Wiener Werkstätte. Josef Hoffmann apparaît comme l’un des artistes les plus représentés de la vente, avec vingt-huit lots consacrés au mobilier – chaises, fauteuils, ensembles de salon – ainsi qu’aux objets décoratifs, parmi lesquels figurent des vases, des coupes, un coffret de toilette et une corbeille à fleurs. Koloman Moser bénéficie également d’une présence importante (dix lots), notamment dans les sections consacrées à la verrerie et au mobilier moderne. La présence de sept lots de la [[Verrerie Loetz\|verrerie Loetz]] ainsi que de vases originaires de Bohème témoigne en outre de l’intérêt croissant du marché pour les arts décoratifs austro-hongrois autour de 1900.

	Le catalogue met aussi en valeur d’autres sculpteurs et céramistes liés au Jugendstil et aux Wiener Werkstätte, comme Michael Powolny<ref>https://www.musee-orsay.fr/fr/ressources/repertoire-artistes-personnalites/michael-powolny-20276</ref>, Gustav Gurschner<ref>https://archive.org/details/jstor-25581532/page/n1/mode/2up</ref>, Anton Klieber<ref>https://www.mutualart.com/Artist/Anton-Klieber/BDC1470EC7B4F1AB</ref> ou Hugo Franz Kirsch<ref>https://de.wikipedia.org/wiki/Hugo_Franz_Kirsch</ref>. Gustav Gurschner, membre de la Sécession puis du [[Hagenbund]], occupe une place significative avec huit objets présentés à la vente, notamment des vases en bronze patiné caractéristiques du Jugendstil. Le catalogue fait apparaître également plusieurs créatrices. Marie Kirschner<ref>https://loetz.com/designers/marie-kirschner</ref>, associée à la verrerie Loetz, est représentée par quatre vases en verre teinté, estimés entre 6 000 et 12 000 francs. La vente comprend aussi un mobilier de chambre d’enfant conçu par Fanny Harlfinger-Zakucka<ref>https://sammlung.belvedere.at/people/731/</ref>, artiste, décoratrice et pédagogue engagée dans les mouvements de réforme artistique . Estimé à 400 000 francs, cet ensemble en bois de placage teinté jaune et satiné, qui fut exposé à la ''Kunstschau'' de Vienne en 1908, figure parmi les pièces phares de la vente. Une petite coupe en céramique de Vally Wieselthier<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Vally_Wieselthier</ref> apparaît également dans le catalogue. Cette artiste a connu une reconnaissance internationale importante lors de [[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels ~~moderne~~ à Paris (1925)\|l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes]] de Paris en 1925, où ses céramiques expressionnistes ont particulièrement retenu l’attention. La présence de ces femmes, auxquelles s’ajoute la céramiste Therese Trethan<ref>https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/terrine-3541</ref>, témoigne de l’intégration progressive des créatrices viennoises dans l’historiographie et le marché des arts décoratifs du XX<sup>e</sup> siècle.		Le catalogue met aussi en valeur d’autres sculpteurs et céramistes liés au Jugendstil et aux Wiener Werkstätte, comme Michael Powolny<ref>https://www.musee-orsay.fr/fr/ressources/repertoire-artistes-personnalites/michael-powolny-20276</ref>, Gustav Gurschner<ref>https://archive.org/details/jstor-25581532/page/n1/mode/2up</ref>, Anton Klieber<ref>https://www.mutualart.com/Artist/Anton-Klieber/BDC1470EC7B4F1AB</ref> ou Hugo Franz Kirsch<ref>https://de.wikipedia.org/wiki/Hugo_Franz_Kirsch</ref>. Gustav Gurschner, membre de la Sécession puis du [[Hagenbund]], occupe une place significative avec huit objets présentés à la vente, notamment des vases en bronze patiné caractéristiques du Jugendstil. Le catalogue fait apparaître également plusieurs créatrices. Marie Kirschner<ref>https://loetz.com/designers/marie-kirschner</ref>, associée à la verrerie Loetz, est représentée par quatre vases en verre teinté, estimés entre 6 000 et 12 000 francs. La vente comprend aussi un mobilier de chambre d’enfant conçu par Fanny Harlfinger-Zakucka<ref>https://sammlung.belvedere.at/people/731/</ref>, artiste, décoratrice et pédagogue engagée dans les mouvements de réforme artistique . Estimé à 400 000 francs, cet ensemble en bois de placage teinté jaune et satiné, qui fut exposé à la ''Kunstschau'' de Vienne en 1908, figure parmi les pièces phares de la vente. Une petite coupe en céramique de Vally Wieselthier<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Vally_Wieselthier</ref> apparaît également dans le catalogue. Cette artiste a connu une reconnaissance internationale importante lors de [[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes à Paris (1925)\|l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes]] de Paris en 1925, où ses céramiques expressionnistes ont particulièrement retenu l’attention. La présence de ces femmes, auxquelles s’ajoute la céramiste Therese Trethan<ref>https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/terrine-3541</ref>, témoigne de l’intégration progressive des créatrices viennoises dans l’historiographie et le marché des arts décoratifs du XX<sup>e</sup> siècle.
	<gallery mode="packed" heights="250px">		<gallery mode="packed" heights="250px">
	File:Josef-Hoffmann.jpg\|thumb\|Josef Hoffmann, 1902		File:Josef-Hoffmann.jpg\|thumb\|Josef Hoffmann, 1902

Wiener Werkstätte

2026-09-07T09:58:01Z

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	[[File:1280px-WW logo.svg.png\|thumb\|Logo de la Wiener Werkstätte]]		[[File:1280px-WW logo.svg.png\|thumb\|Logo de la Wiener Werkstätte]]
	Fondée par l’architecte [[Josef Hoffmann]], le peintre et décorateur [[Koloman]] Moser et l’entrepreneur Fritz Waerndorfer<ref>https://www.biographien.ac.at/oebl/oebl_W/Waerndorfer_Fritz_1868_1939.xml</ref> en 1903, l’association d’artistes et d’artisans Wiener Werkstätte (littéralement « Atelier viennois ») ouvre rapidement des succursales à Karlsbad en 1909, à Marienbad et Zurich en 1917, à New York et Velden en 1922 et à Berlin en 1929<ref>Kallir 1986, 29–30 ; Neiß 2004, 264</ref>. Les relations documentées entre la Wiener Werkstätte et la France ne passent toutefois pas par l’ouverture d’une succursale, mais principalement par les échanges entre le couturier français [[Paul Poiret]] ainsi que par la participation de la Wiener Werkstätte à l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels ~~moderne~~ à Paris (1925)\|Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris]] en 1925.		Fondée par l’architecte [[Josef Hoffmann]], le peintre et décorateur [[Koloman]] Moser et l’entrepreneur Fritz Waerndorfer<ref>https://www.biographien.ac.at/oebl/oebl_W/Waerndorfer_Fritz_1868_1939.xml</ref> en 1903, l’association d’artistes et d’artisans Wiener Werkstätte (littéralement « Atelier viennois ») ouvre rapidement des succursales à Karlsbad en 1909, à Marienbad et Zurich en 1917, à New York et Velden en 1922 et à Berlin en 1929<ref>Kallir 1986, 29–30 ; Neiß 2004, 264</ref>. Les relations documentées entre la Wiener Werkstätte et la France ne passent toutefois pas par l’ouverture d’une succursale, mais principalement par les échanges entre le couturier français [[Paul Poiret]] ainsi que par la participation de la Wiener Werkstätte à l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes à Paris (1925)\|Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris]] en 1925.

	==Paul Poiret et la Wiener Werkstätte==		==Paul Poiret et la Wiener Werkstätte==

Artistes autrichiens en France (XXe siècle)

2026-09-07T09:57:08Z

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	===Art Déco et néoplasticisme===		===Art Déco et néoplasticisme===
	[[File:19 Josef Hoffmann, Österreich-Pavillon, Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, Paris 1925 © MAK, Wien.jpg\|left\|thumb\|\|Josef Hoffmann, Pavillon autrichienne, 1925]][[File:20 Friedrich Kiesler, Raumstadt, Paris 1925 © Österreichische Lillian und Friedrich Kiesler Stiftung,.jpg\|250px\|thumb\|[[Friedrich Kiesler]], Raumstadt, Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Paris 1925]][[File:21 Friedrich Kiesler, Exposition internationale du Surréalisme, Galerie Maeght, Paris, 1947 © Kiesler Stiftung, Wien.jpg\|left\|thumb\|250px\|[[Friedrich Kiesler]], Agencement pour l’Exposition internationale du Surréalisme, 1947]]		[[File:19 Josef Hoffmann, Österreich-Pavillon, Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, Paris 1925 © MAK, Wien.jpg\|left\|thumb\|\|Josef Hoffmann, Pavillon autrichienne, 1925]][[File:20 Friedrich Kiesler, Raumstadt, Paris 1925 © Österreichische Lillian und Friedrich Kiesler Stiftung,.jpg\|250px\|thumb\|[[Friedrich Kiesler]], Raumstadt, Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Paris 1925]][[File:21 Friedrich Kiesler, Exposition internationale du Surréalisme, Galerie Maeght, Paris, 1947 © Kiesler Stiftung, Wien.jpg\|left\|thumb\|250px\|[[Friedrich Kiesler]], Agencement pour l’Exposition internationale du Surréalisme, 1947]]
	En 1925, l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925)]] suscite un grand intérêt à Paris, attirant de nombreux architectes et designers du monde entier. En raison des tensions politiques de l’après-guerre, le gouvernement français organisateur n’a pas convié l’Allemagne à participer à cet événement, tandis que les États-Unis ont décliné l’invitation, arguant par la voix du secrétaire au commerce Herbert Hoover qu’ils ne possédaient pas de scène de design moderne. L’Autriche présente un pavillon national remarqué ainsi que de nombreux objets exposés dans d’autres sections. Le pavillon, conçu par Josef Hoffmann et préfabriqué à Vienne, a été acheminé à Paris par train et monté sur place (en partie sur une terrasse surplombant la Seine). En plus des espaces dédiés à l’art et à l’artisanat, il propose une « Maison de verre » de Peter Behrens, une « Tour d’orgue » d’Oskar Strnad et un café conçu par Josef Frank. Au Grand Palais, on peut voir deux autres contributions autrichiennes : les installations d’[[Oswald Haerdtl]] (architecture d’Autriche) et de [[Friedrich Kiesler]] (théâtre d’Autriche) présentent des dispositifs d’exposition avant-gardistes, nettement inspirés du néoplasticisme du mouvement ''De Stijl'' autour de Piet Mondrian et Theo van Doesburg. L’exposition consacrée à l’architecture présente des maquettes, des tableaux et des plans d’architectes établis (comme le Palais Stoclet de Josef Hoffmann à Bruxelles) et d’élèves de l’École des arts appliqués de Vienne<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Kunstgewerbeschule</ref>.		En 1925, l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes à Paris (1925)]] suscite un grand intérêt à Paris, attirant de nombreux architectes et designers du monde entier. En raison des tensions politiques de l’après-guerre, le gouvernement français organisateur n’a pas convié l’Allemagne à participer à cet événement, tandis que les États-Unis ont décliné l’invitation, arguant par la voix du secrétaire au commerce Herbert Hoover qu’ils ne possédaient pas de scène de design moderne. L’Autriche présente un pavillon national remarqué ainsi que de nombreux objets exposés dans d’autres sections. Le pavillon, conçu par Josef Hoffmann et préfabriqué à Vienne, a été acheminé à Paris par train et monté sur place (en partie sur une terrasse surplombant la Seine). En plus des espaces dédiés à l’art et à l’artisanat, il propose une « Maison de verre » de Peter Behrens, une « Tour d’orgue » d’Oskar Strnad et un café conçu par Josef Frank. Au Grand Palais, on peut voir deux autres contributions autrichiennes : les installations d’[[Oswald Haerdtl]] (architecture d’Autriche) et de [[Friedrich Kiesler]] (théâtre d’Autriche) présentent des dispositifs d’exposition avant-gardistes, nettement inspirés du néoplasticisme du mouvement ''De Stijl'' autour de Piet Mondrian et Theo van Doesburg. L’exposition consacrée à l’architecture présente des maquettes, des tableaux et des plans d’architectes établis (comme le Palais Stoclet de Josef Hoffmann à Bruxelles) et d’élèves de l’École des arts appliqués de Vienne<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Kunstgewerbeschule</ref>.

	L’exposition dédiée au théâtre de Friedrich Kiesler met quant à elle en avant des projets de décors et des maquettes avant-gardistes au sein d’une structure suspendue constituée de tasseaux de bois et de plateformes aux couleurs primaires. Cette installation, présentée au Grand Palais, est en même temps le modèle d’une ville futuriste flottant librement dans l’espace (« Cité dans l’espace »). Kiesler publie un manifeste à ce sujet dans la revue ''De Stijl''. Après l’exposition des arts décoratifs de 1925, il décide de rester à Paris, comptant y trouver de meilleures opportunités professionnelles qu’à Vienne en raison des succès de l’avant-garde internationale (pavillons de Le Corbusier et de Konstantin Melnikow). Kiesler entretient notamment des contacts avec Fernand Léger et Theo van Doesburg, avec lequel il partage une amitié étroite. En 1926, il s’installe avec sa femme Stefi à New York, à l’invitation du magazine d’avant-garde new-yorkais ''Little Review''. D’août à octobre 1930, le couple Kiesler séjourne à nouveau à Paris afin de renouveler ses visas pour les États-Unis. En 1947, l’architecte se rend également à Paris pour organiser une exposition sur les surréalistes.		L’exposition dédiée au théâtre de Friedrich Kiesler met quant à elle en avant des projets de décors et des maquettes avant-gardistes au sein d’une structure suspendue constituée de tasseaux de bois et de plateformes aux couleurs primaires. Cette installation, présentée au Grand Palais, est en même temps le modèle d’une ville futuriste flottant librement dans l’espace (« Cité dans l’espace »). Kiesler publie un manifeste à ce sujet dans la revue ''De Stijl''. Après l’exposition des arts décoratifs de 1925, il décide de rester à Paris, comptant y trouver de meilleures opportunités professionnelles qu’à Vienne en raison des succès de l’avant-garde internationale (pavillons de Le Corbusier et de Konstantin Melnikow). Kiesler entretient notamment des contacts avec Fernand Léger et Theo van Doesburg, avec lequel il partage une amitié étroite. En 1926, il s’installe avec sa femme Stefi à New York, à l’invitation du magazine d’avant-garde new-yorkais ''Little Review''. D’août à octobre 1930, le couple Kiesler séjourne à nouveau à Paris afin de renouveler ses visas pour les États-Unis. En 1947, l’architecte se rend également à Paris pour organiser une exposition sur les surréalistes.

Jean Welz

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	Welz quitte l’Autriche pour Paris en 1925 où il restera jusqu’en 1936-1937, date à laquelle il émigre en Afrique du Sud. Dans la capitale française, Welz adopte le prénom de Jean et poursuit une carrière d’architecte entouré par des collègues français qui trouvent en lui un passeur des idées développées à Vienne. Arrivé en Afrique du Sud, Welz travaille surtout en tant que peintre, il meurt en 1975.		Welz quitte l’Autriche pour Paris en 1925 où il restera jusqu’en 1936-1937, date à laquelle il émigre en Afrique du Sud. Dans la capitale française, Welz adopte le prénom de Jean et poursuit une carrière d’architecte entouré par des collègues français qui trouvent en lui un passeur des idées développées à Vienne. Arrivé en Afrique du Sud, Welz travaille surtout en tant que peintre, il meurt en 1975.

	''A priori'' Welz n’a pas d’attache particulière en France ni à Paris mais la tenue de l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925)]] entre le 28 avril et le 30 novembre 1925 l’a sans aucun doute motivé à tenter l’aventure dans une ville qui accueille alors de nombreux artistes. Dès son installation en France, Welz devient le collaborateur de Raymond Fischer<ref>https://agorha.inha.fr/ark:/54721/85b54c33-894e-4d8c-9fe6-022170554ccc</ref> par l’entremise d’un de leurs anciens maîtres communs à Vienne, [[Adolf Loos]]. Welz et Fischer construisent ensemble plusieurs hôtels particuliers et villas à Paris et en banlieue, ainsi que des immeubles d’habitations comme à Montauban après les inondations du Tarn en 1931. Parmi les villas privées, la maison de Marcel Dury (1925-1928), la villa de la modiste Suzanne Dubin (1927-1929) et l’hôtel Godfray (1928-1929) à Boulogne-Billancourt sont particulièrement remarquables. Welz réalise ainsi une trentaine de projets à Paris entre 1928 et 1936.		''A priori'' Welz n’a pas d’attache particulière en France ni à Paris mais la tenue de l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes à Paris (1925)]] entre le 28 avril et le 30 novembre 1925 l’a sans aucun doute motivé à tenter l’aventure dans une ville qui accueille alors de nombreux artistes. Dès son installation en France, Welz devient le collaborateur de Raymond Fischer<ref>https://agorha.inha.fr/ark:/54721/85b54c33-894e-4d8c-9fe6-022170554ccc</ref> par l’entremise d’un de leurs anciens maîtres communs à Vienne, [[Adolf Loos]]. Welz et Fischer construisent ensemble plusieurs hôtels particuliers et villas à Paris et en banlieue, ainsi que des immeubles d’habitations comme à Montauban après les inondations du Tarn en 1931. Parmi les villas privées, la maison de Marcel Dury (1925-1928), la villa de la modiste Suzanne Dubin (1927-1929) et l’hôtel Godfray (1928-1929) à Boulogne-Billancourt sont particulièrement remarquables. Welz réalise ainsi une trentaine de projets à Paris entre 1928 et 1936.

	Si l’architecte français Raymond Fischer a été particulièrement marqué par les cours dispensés par Adolf Loos, sa collaboration avec Jean Welz lui permet de mettre en pratique l’un de ses principaux enseignements, à savoir le ''Raumplan''. Développée par Loos dès le milieu des années 1910 à Vienne, cette conception architecturale que Fischer nomme « tracé dans l’air » ou « chemin aérien » consiste en une sorte de déambulation dans l’espace : depuis l’extérieur du bâtiment de forme cubique et avec une façade simple vers un intérieur à la distribution complexe, jouant des niveaux et des ambiances. Fischer souligne dans ses mémoires combien il appréciait la maîtrise du « tracé dans l’air » de Welz qui en avait acquis les caractéristiques lors des présentations faites par Loos dans la capitale autrichienne, avec notamment des cours sur site.		Si l’architecte français Raymond Fischer a été particulièrement marqué par les cours dispensés par Adolf Loos, sa collaboration avec Jean Welz lui permet de mettre en pratique l’un de ses principaux enseignements, à savoir le ''Raumplan''. Développée par Loos dès le milieu des années 1910 à Vienne, cette conception architecturale que Fischer nomme « tracé dans l’air » ou « chemin aérien » consiste en une sorte de déambulation dans l’espace : depuis l’extérieur du bâtiment de forme cubique et avec une façade simple vers un intérieur à la distribution complexe, jouant des niveaux et des ambiances. Fischer souligne dans ses mémoires combien il appréciait la maîtrise du « tracé dans l’air » de Welz qui en avait acquis les caractéristiques lors des présentations faites par Loos dans la capitale autrichienne, avec notamment des cours sur site.

Artistes autrichiens en France (XXe siècle)

2026-09-07T09:56:08Z

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	===Art Déco et néoplasticisme===		===Art Déco et néoplasticisme===
	[[File:19 Josef Hoffmann, Österreich-Pavillon, Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, Paris 1925 © MAK, Wien.jpg\|left\|thumb\|\|Josef Hoffmann, Pavillon autrichienne, 1925]][[File:20 Friedrich Kiesler, Raumstadt, Paris 1925 © Österreichische Lillian und Friedrich Kiesler Stiftung,.jpg\|250px\|thumb\|[[Friedrich Kiesler]], Raumstadt, Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Paris 1925]][[File:21 Friedrich Kiesler, Exposition internationale du Surréalisme, Galerie Maeght, Paris, 1947 © Kiesler Stiftung, Wien.jpg\|left\|thumb\|250px\|[[Friedrich Kiesler]], Agencement pour l’Exposition internationale du Surréalisme, 1947]]		[[File:19 Josef Hoffmann, Österreich-Pavillon, Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, Paris 1925 © MAK, Wien.jpg\|left\|thumb\|\|Josef Hoffmann, Pavillon autrichienne, 1925]][[File:20 Friedrich Kiesler, Raumstadt, Paris 1925 © Österreichische Lillian und Friedrich Kiesler Stiftung,.jpg\|250px\|thumb\|[[Friedrich Kiesler]], Raumstadt, Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, Paris 1925]][[File:21 Friedrich Kiesler, Exposition internationale du Surréalisme, Galerie Maeght, Paris, 1947 © Kiesler Stiftung, Wien.jpg\|left\|thumb\|250px\|[[Friedrich Kiesler]], Agencement pour l’Exposition internationale du Surréalisme, 1947]]
	En 1925, l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes]] suscite un grand intérêt à Paris, attirant de nombreux architectes et designers du monde entier. En raison des tensions politiques de l’après-guerre, le gouvernement français organisateur n’a pas convié l’Allemagne à participer à cet événement, tandis que les États-Unis ont décliné l’invitation, arguant par la voix du secrétaire au commerce Herbert Hoover qu’ils ne possédaient pas de scène de design moderne. L’Autriche présente un pavillon national remarqué ainsi que de nombreux objets exposés dans d’autres sections. Le pavillon, conçu par Josef Hoffmann et préfabriqué à Vienne, a été acheminé à Paris par train et monté sur place (en partie sur une terrasse surplombant la Seine). En plus des espaces dédiés à l’art et à l’artisanat, il propose une « Maison de verre » de Peter Behrens, une « Tour d’orgue » d’Oskar Strnad et un café conçu par Josef Frank. Au Grand Palais, on peut voir deux autres contributions autrichiennes : les installations d’[[Oswald Haerdtl]] (architecture d’Autriche) et de [[Friedrich Kiesler]] (théâtre d’Autriche) présentent des dispositifs d’exposition avant-gardistes, nettement inspirés du néoplasticisme du mouvement ''De Stijl'' autour de Piet Mondrian et Theo van Doesburg. L’exposition consacrée à l’architecture présente des maquettes, des tableaux et des plans d’architectes établis (comme le Palais Stoclet de Josef Hoffmann à Bruxelles) et d’élèves de l’École des arts appliqués de Vienne<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Kunstgewerbeschule</ref>.		En 1925, l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925)]] suscite un grand intérêt à Paris, attirant de nombreux architectes et designers du monde entier. En raison des tensions politiques de l’après-guerre, le gouvernement français organisateur n’a pas convié l’Allemagne à participer à cet événement, tandis que les États-Unis ont décliné l’invitation, arguant par la voix du secrétaire au commerce Herbert Hoover qu’ils ne possédaient pas de scène de design moderne. L’Autriche présente un pavillon national remarqué ainsi que de nombreux objets exposés dans d’autres sections. Le pavillon, conçu par Josef Hoffmann et préfabriqué à Vienne, a été acheminé à Paris par train et monté sur place (en partie sur une terrasse surplombant la Seine). En plus des espaces dédiés à l’art et à l’artisanat, il propose une « Maison de verre » de Peter Behrens, une « Tour d’orgue » d’Oskar Strnad et un café conçu par Josef Frank. Au Grand Palais, on peut voir deux autres contributions autrichiennes : les installations d’[[Oswald Haerdtl]] (architecture d’Autriche) et de [[Friedrich Kiesler]] (théâtre d’Autriche) présentent des dispositifs d’exposition avant-gardistes, nettement inspirés du néoplasticisme du mouvement ''De Stijl'' autour de Piet Mondrian et Theo van Doesburg. L’exposition consacrée à l’architecture présente des maquettes, des tableaux et des plans d’architectes établis (comme le Palais Stoclet de Josef Hoffmann à Bruxelles) et d’élèves de l’École des arts appliqués de Vienne<ref>https://www.geschichtewiki.wien.gv.at/Kunstgewerbeschule</ref>.

	L’exposition dédiée au théâtre de Friedrich Kiesler met quant à elle en avant des projets de décors et des maquettes avant-gardistes au sein d’une structure suspendue constituée de tasseaux de bois et de plateformes aux couleurs primaires. Cette installation, présentée au Grand Palais, est en même temps le modèle d’une ville futuriste flottant librement dans l’espace (« Cité dans l’espace »). Kiesler publie un manifeste à ce sujet dans la revue ''De Stijl''. Après l’exposition des arts décoratifs de 1925, il décide de rester à Paris, comptant y trouver de meilleures opportunités professionnelles qu’à Vienne en raison des succès de l’avant-garde internationale (pavillons de Le Corbusier et de Konstantin Melnikow). Kiesler entretient notamment des contacts avec Fernand Léger et Theo van Doesburg, avec lequel il partage une amitié étroite. En 1926, il s’installe avec sa femme Stefi à New York, à l’invitation du magazine d’avant-garde new-yorkais ''Little Review''. D’août à octobre 1930, le couple Kiesler séjourne à nouveau à Paris afin de renouveler ses visas pour les États-Unis. En 1947, l’architecte se rend également à Paris pour organiser une exposition sur les surréalistes.		L’exposition dédiée au théâtre de Friedrich Kiesler met quant à elle en avant des projets de décors et des maquettes avant-gardistes au sein d’une structure suspendue constituée de tasseaux de bois et de plateformes aux couleurs primaires. Cette installation, présentée au Grand Palais, est en même temps le modèle d’une ville futuriste flottant librement dans l’espace (« Cité dans l’espace »). Kiesler publie un manifeste à ce sujet dans la revue ''De Stijl''. Après l’exposition des arts décoratifs de 1925, il décide de rester à Paris, comptant y trouver de meilleures opportunités professionnelles qu’à Vienne en raison des succès de l’avant-garde internationale (pavillons de Le Corbusier et de Konstantin Melnikow). Kiesler entretient notamment des contacts avec Fernand Léger et Theo van Doesburg, avec lequel il partage une amitié étroite. En 1926, il s’installe avec sa femme Stefi à New York, à l’invitation du magazine d’avant-garde new-yorkais ''Little Review''. D’août à octobre 1930, le couple Kiesler séjourne à nouveau à Paris afin de renouveler ses visas pour les États-Unis. En 1947, l’architecte se rend également à Paris pour organiser une exposition sur les surréalistes.

Jean Welz

2026-09-07T09:55:28Z

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	Welz quitte l’Autriche pour Paris en 1925 où il restera jusqu’en 1936-1937, date à laquelle il émigre en Afrique du Sud. Dans la capitale française, Welz adopte le prénom de Jean et poursuit une carrière d’architecte entouré par des collègues français qui trouvent en lui un passeur des idées développées à Vienne. Arrivé en Afrique du Sud, Welz travaille surtout en tant que peintre, il meurt en 1975.		Welz quitte l’Autriche pour Paris en 1925 où il restera jusqu’en 1936-1937, date à laquelle il émigre en Afrique du Sud. Dans la capitale française, Welz adopte le prénom de Jean et poursuit une carrière d’architecte entouré par des collègues français qui trouvent en lui un passeur des idées développées à Vienne. Arrivé en Afrique du Sud, Welz travaille surtout en tant que peintre, il meurt en 1975.

	''A priori'' Welz n’a pas d’attache particulière en France ni à Paris mais la tenue de l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes]] entre le 28 avril et le 30 novembre 1925 l’a sans aucun doute motivé à tenter l’aventure dans une ville qui accueille alors de nombreux artistes. Dès son installation en France, Welz devient le collaborateur de Raymond Fischer<ref>https://agorha.inha.fr/ark:/54721/85b54c33-894e-4d8c-9fe6-022170554ccc</ref> par l’entremise d’un de leurs anciens maîtres communs à Vienne, [[Adolf Loos]]. Welz et Fischer construisent ensemble plusieurs hôtels particuliers et villas à Paris et en banlieue, ainsi que des immeubles d’habitations comme à Montauban après les inondations du Tarn en 1931. Parmi les villas privées, la maison de Marcel Dury (1925-1928), la villa de la modiste Suzanne Dubin (1927-1929) et l’hôtel Godfray (1928-1929) à Boulogne-Billancourt sont particulièrement remarquables. Welz réalise ainsi une trentaine de projets à Paris entre 1928 et 1936.		''A priori'' Welz n’a pas d’attache particulière en France ni à Paris mais la tenue de l’[[Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925)]] entre le 28 avril et le 30 novembre 1925 l’a sans aucun doute motivé à tenter l’aventure dans une ville qui accueille alors de nombreux artistes. Dès son installation en France, Welz devient le collaborateur de Raymond Fischer<ref>https://agorha.inha.fr/ark:/54721/85b54c33-894e-4d8c-9fe6-022170554ccc</ref> par l’entremise d’un de leurs anciens maîtres communs à Vienne, [[Adolf Loos]]. Welz et Fischer construisent ensemble plusieurs hôtels particuliers et villas à Paris et en banlieue, ainsi que des immeubles d’habitations comme à Montauban après les inondations du Tarn en 1931. Parmi les villas privées, la maison de Marcel Dury (1925-1928), la villa de la modiste Suzanne Dubin (1927-1929) et l’hôtel Godfray (1928-1929) à Boulogne-Billancourt sont particulièrement remarquables. Welz réalise ainsi une trentaine de projets à Paris entre 1928 et 1936.

	Si l’architecte français Raymond Fischer a été particulièrement marqué par les cours dispensés par Adolf Loos, sa collaboration avec Jean Welz lui permet de mettre en pratique l’un de ses principaux enseignements, à savoir le ''Raumplan''. Développée par Loos dès le milieu des années 1910 à Vienne, cette conception architecturale que Fischer nomme « tracé dans l’air » ou « chemin aérien » consiste en une sorte de déambulation dans l’espace : depuis l’extérieur du bâtiment de forme cubique et avec une façade simple vers un intérieur à la distribution complexe, jouant des niveaux et des ambiances. Fischer souligne dans ses mémoires combien il appréciait la maîtrise du « tracé dans l’air » de Welz qui en avait acquis les caractéristiques lors des présentations faites par Loos dans la capitale autrichienne, avec notamment des cours sur site.		Si l’architecte français Raymond Fischer a été particulièrement marqué par les cours dispensés par Adolf Loos, sa collaboration avec Jean Welz lui permet de mettre en pratique l’un de ses principaux enseignements, à savoir le ''Raumplan''. Développée par Loos dès le milieu des années 1910 à Vienne, cette conception architecturale que Fischer nomme « tracé dans l’air » ou « chemin aérien » consiste en une sorte de déambulation dans l’espace : depuis l’extérieur du bâtiment de forme cubique et avec une façade simple vers un intérieur à la distribution complexe, jouant des niveaux et des ambiances. Fischer souligne dans ses mémoires combien il appréciait la maîtrise du « tracé dans l’air » de Welz qui en avait acquis les caractéristiques lors des présentations faites par Loos dans la capitale autrichienne, avec notamment des cours sur site.